Het Carnegie Museum of Art tentoonstelling “Fault Lines: Art, Imperialism and the Atlantic World” is een ambitieuze poging om bezoekers te laten zien dat ze klassiek geïnspireerde kunstwerken uit een specifieke periode in een nieuw licht kunnen zien.
De show omvat bijna 70 schilderijen, tekeningen en meer, een aantal van hen van het midden tot eind 1700 (hoewel een nummer dateert uit de jaren 1600 help de scène in staat te stellen).
Het was een tijd van revoluties, en Marie-Stéphanie Delamaire, de curator van de Carnegie van Europese en Amerikaanse kunst, lijkt niet scherp geïnteresseerd in de Franse revolutie, noch de Amerikaanse oorlog voor onafhankelijkheid, maar in de Haïtiaanse opstand die begon in 1791 en die jaren later werd geëindigd met ingezaaide Afrikanen die zichzelf bevrijden en hun land bevrijden van het Franse koloniale regel.
Vooral is ze geïnteresseerd in weinig bekende werken van gekleurde kunstenaars, of in onderwerpen van kleur, uit een tijd waarin beide zeldzaam waren. Dus je zult zeker een exemplaar van de Gallery Guide van de show willen pakken, want hoewel de kunst op zichzelf de moeite waard is, is context alles.
Het meest voor de hand liggende voorbeeld in deze show is ‘Francis Williams, de geleerde van Jamaica’, een ca. 1760 Olieverf van een niet -geïdentificeerde kunstenaar, over zeldzame lening uit het Victoria en Albert Museum in Londen.
Williams, de zoon van een tot slaaf gemaakte echtpaar dat hun vrijheid verdiende nadat hij was geboren, wordt staande, verbijsterd en stijlvol gekleed, een wereldbol aan zijn voeten. Met een delicate rechterhand gebaart hij naar planken vol met leergebonden boeken terwijl, door het raam en in de verte, palmbomen zich aansluiten bij enkele gebouwen in een anders verlaten landschap. Men kan zich alleen maar voorstellen wat het betekende-niet in het minst voor Williams-om een zwarte man te hebben als het onderwerp van zo’n respectvolle portretten op een moment dat miljoenen van zijn medemensen van Afrikaanse afkomst niet alleen tot slaaf waren in Amerika, maar werven van zijn goed ingerichte studie.
Andere hier afgebeelde kleurpersonen zijn Toussaint Louverture, de belangrijkste leider van de Haïtiaanse rebellie, die verschijnt in talloze gravures en illustraties; Mariane Celeste Dragon, de dochter van een Griekse koopman en een rijke vrijgelaten vrouw van kleur, geschilderd in 1795 door (men gelooft) een gerenommeerde kunstenaar uit New Orleans; en “Saint Benedict van Palermo” – Aka St. Benedict de Moor geschilderd door een onbekende kunstenaar in 1747. (Benedict heeft natuurlijk zijn eigen historische naamgenootkerk in Pittsburgh.)
Maar Delamaire probeert ook aan te vechten wat de impliciete overtuiging van bezoekers zou kunnen zijn dat alle getrainde kunstenaars van die tijd blank waren. Bekende schilders van die tijd zijn onder meer Maryland-geboren Charles Wilson Peale en de Britse kunstenaar JMW Turner, maar je zult ze hier niet vinden (hoewel er een Goya-print en een aquarel van William Blake is).
In plaats daarvan zie je twee olieverfschilderijen van Guadaloupe-geboren Guillaume Lethiére, zoon van een blanke Franse plantage-eigenaar en vrouw die waarschijnlijk tot slaaf werd gemaakt. “Brutus veroordeelt zijn zonen ter dood” (1788), schrijft Delamaire, steunt Republikeinse deugden, terwijl Lethiére’s portret uit 1799 van een jonge vrouw die de harp speelt, zijn neoklassieke karbonades pronkt, zoals in het licht en schaduw dat speelt op de plooien van haar witte ras.
Je ziet een groot 17e-eeuwse portret van Philip IV van Spanje door Peter Paul Rubens-maar ook een portret van Philip door Juan de Pareja, een voorheen tot slaaf gemaakte lid van het huishouden van Diego Velasquez, die de grote schilder getraind als studio-assistent en copyist (en die zelf het onderwerp was van een welwaalde Velasquez).
En er is het portret van een samenleving vrouw geschilderd door Jose Campeche y Jordan, de zoon van een bevrijde slaaf en ”
Lagen subtiele berichten verborgen in deze schilderijen, snijden tegen het graan? Het was bijvoorbeeld een tijdperk waarin veel kunstenaars de kracht van de staat verheven, zoals in Dominic Serres en Pierre-Charles Canot’s Panoramic 1766 illustratie van een Britse marine-invasie die geen stoornis weergeeft, slechts honderden mierengroot mensen in roeiboten en te voet, met het meest geselecteerde object een drie gemaste schip.
Delamaire merkt op dat de Fawning -manier van de meeste portretten de families van plantage -eigenaren weergeven – behalve Hogarth’s “The Toilette” (1745), die hen lampt. Maar zelfs Hogarth toont een Liveried Young Black Boy, een dienaar, die bewusteloos kijkt naar een van zijn slaven. Het andere tot slaaf gemaakte kind dat in de tentoonstelling wordt getoond-en in een vergelijkbare houding weergegeven-is de zwarte jongen in het Nederlandse schilderij van circa-1719 met Elihu Yale (van Yale University Fame) en zijn familie zitten allemaal rond een tafel en ziet er behoorlijk tevreden uit met zichzelf.
Ondertussen, in wat Delamaire misschien het belangrijkste punt van de show beschouwt, is wat niet zo belangrijk wordt getoond als wat is. Ze kenmerkt schijnbaar onschadelijke landelijke landschappen – van bijvoorbeeld Jamaica – als propaganda, de afwezigheid van “conflict en slavenverdistentie” een impliciete boodschap aan mensen terug in Engeland.
Toch is er altijd ruimte voor symboliek. Eén onbekende Nederlandse kunstenaar spectaculair stilleven, vanaf het einde van de 17e eeuw, is op één niveau een advertentie voor de keizerlijke rijkdom die nodig is om een Chinese Ming -kom te verwerven, exotisch fruit en een decoratief schip gemaakt van een Nautilus -shell, gebonden door gouden toevoegingen die het een zeemonster rennen. Maar, vraagt Delamaire, wat betekent het dat het beest hier wordt gedreven door een gemonteerde Neptunus en in hete achtervolging van een kleine menselijke figuur? En is de kijker de kolonist, of de gekoloniseerde?
“Foutlijnen” blijft te zien tot en met 25 januari.
